◎何乐为

　　展览：没骨鹫峰——恽寿平画与化境艺术展

　　展期：2026.2.14-5.18

　　地点：中国大运河博物馆

　　2026年2月，中国大运河博物馆推出“没骨鹫峰——恽寿平画与化境艺术展”。恽寿平（号南田）是常州画派的开山祖师，清初画坛“六大家”之一。本次展览从故宫博物院、南京博物院、天津博物馆等八家文博机构汇集了97件恽寿平珍贵名作，包括其花卉、山水、蔬果、书法及画论作品，全方位呈现这位艺术大师的创作历程与美学境界。

《建兰图》卷 故宫博物院藏

《瓯香馆写生图册》之一 天津博物馆藏

　　“没骨鹫峰”概括笔墨与精神

　　展览标题中的“没骨鹫峰”，用到了两组关键词，将恽寿平的艺术之法与生命之境并置在一起——“没骨”指向他最擅长的笔墨语言，“鹫峰”指向他的精神坐标。让观众先有方法可循，再有精神可感。

　　先说“没骨”。“没骨”是中国画里极见功力的技法，不先用墨线立骨架，而以淡墨、清水、设色层层点染，让花叶在晕化中自己长出来。没骨能兼得两端，既有工笔的经营，又有写意的呼吸，落纸往往润泽天成。

　　从水墨脉络上说，这种“不靠线条而成形”的观念很早就出现。六朝壁画里已有以色彩晕染表现体面的做法；到了五代、两宋，花鸟画中逐渐成熟，北宋徐崇嗣更把它明确为“没骨图”，以彩代墨，以染成形，使花叶浓丽鲜活。此后它并非长期主流，却在清初因恽寿平而再度发光。

　　恽寿平以写生为本，追求“不见笔迹”的清润气象，把没骨从古法里再提纯，最终形成明净疏朗的“恽体”花卉，这也让“没骨”成为理解他艺术最准确的一把钥匙。

　　再说“鹫峰”。“鹫峰”出自佛教典故，指灵鹫山（佛陀说法之地），因此常被引申为觉悟、澄明的象征。把“鹫峰”放进恽寿平的语境，更是在点出他生命里那一次关键的转身。清初乱世，他经历了家国变局与个人身世的波折，在杭州灵隐寺完成脱身与归隐的选择。后来友人据此编成传奇《鹫峰缘》，以“鹫峰”寄寓其经过风波后仍能自守清明的心境。

　　因此，“没骨鹫峰”作为展览标题，点出了恽寿平最核心的两件事。“没骨”引导我们去看他花叶间的润、淡、活；“鹫峰”则提醒我们，这份清气来自一种被磨砺过的不屈精神。标题把两者并列，既照画法，也见心气，合在一起，才是真正的“南田气象”。

　　花卉气息始终生动

　　题名先将方法与境界并举，展览则以作品为证，让观众在一枝一叶的经营里体会没骨法的精心，在清润含蓄的气息中读到画家的自守。选用的展品正承接了这一主旨，从技法与气格两端展开叙述。

　　故宫博物院藏《建兰图》卷最宜用来“入门”。绢地素净，深秋建兰并列而立，花茎细挺，花朵素白，中间点出几瓣将落未落的花片，画面几乎不借外物，不画山石作底，让兰的气息自成一派风景。恽寿平用没骨写兰，明暗转折都藏在水分与设色的交融里，枝干以赭色轻点，花瓣施白粉，花蕊略以淡紫提神。淡处有气，浓处能收，卷左题跋记友人赠兰因缘，自言“清芬不散，尘襟洒然”，画与诗互相照映，让兰的明净高洁不止停在画面，也能落到观者心中，这也与“鹫峰”的寓意相合。

　　天津博物馆藏《瓯香馆写生图册》则道尽了没骨花卉艺术的精彩。十开册页写四时花木，从春桃海棠到夏日繁华，再到秋菊、冬梅，季节递换，气息始终生动。全册不设重景，大面积留白托出花枝的姿态，空间因虚而更阔；花叶不以墨线勾廓，凭色层层叠染成形，风格清新古雅。

　　观众翻阅其间，会逐渐体会恽寿平所谓“写生得真”的意思：真不在繁碎，而在神采。一花一叶皆传神，十种花卉各极其态，也把一份经历过世事之后的澄明，安安静静地留在纸上。正是凭借这套范式般的没骨花卉册页，恽寿平向世人证明了中国花鸟画在不借助墨线的情况下，同样可以达到色彩丰韵、生机勃勃的艺术境界。

　　策展为“慢”创造条件

　　在展陈结构上，本次展览以主题单元分段铺陈，动线循序推进。开篇的“师造化”交代恽寿平取法宋元、以文人气骨立身的根柢；继而“写画意”转向诗文书法与绘画的相互映照，通过题跋、扇面、手札等，让观众看见他如何以诗心、书意统摄画面经营；到“自妍芳”单元集中呈现没骨花卉精品，构成全展最具感染力的段落。这样的分单元叙事不以繁复考据为重点，而以“师承—诗书—花卉”的递进方式，将画家的创作面貌铺开，帮助观众较好建立起对其艺术气象的整体印象。

　　策展并未将话语落在技法谱系的层层辨析上，而是更愿意从宏观的气象与人格趣味入题，让“画里之人”与“人之所画”互相照应。为此，展览利用博物馆8号展厅的环绕影音条件，以360度环幕的沉浸式影剧作为前置叙事，将“鹫峰缘”的故事线索转译为当代观看经验。影像更多承担“铺垫”的功能，把人物的时代背景、心境转折与关键意象安置好，引导观众接下来面对真迹。这样，观众在看见纸绢上的清润与含蓄时，心里已有相应的情绪底色，理解更容易落到实处。

　　从总体策略看，这样的取向有其现实必要。中国画展要“出彩”并不容易，作品本身需要静观，信息密度又高，观众在有限的停留时间里很难完成从图像到笔墨、再到文化语境的层层转换。这次展览的做法，是把学术的底盘守住，同时把呈现的重点放在“广度”与“可感”上。用最经典、最具代表性的真迹建立权威与品质；同时通过叙事与技术手段把内容活化，让观众在宏观层面先看见恽寿平作品的格调，获得更深一层的审美体验。面对更大的观众面，这种“先广后深”的路径更符合博物馆展览的传播逻辑，以丰富与生动吸引人，以潜移默化留住人，让传统艺术以更自然的方式进入当代日常。

　　期待更多的博物馆策展保留这种耐心，在学术扎实之上，多给作品留一点呼吸的空隙，多给观众留一点自我抵达的时间。中国画的好处常在“慢”里显出来，一处淡墨的收放，一层设色的转折，都需要观者把心放轻，才能清晰看见。展览若能在动线与文字之外，继续为这种“慢”创造条件，比如在关键作品前设置更舒适的停留点、更准确的说明、更便于二次观看的导览资源，让观众有机会反复回到同一幅画前，体验从“看见”到“看懂”的那一小段路，展览的效力就会从当下延伸到之后。让观众带着满足与欢喜离开，下一次再走进展厅时，依然保有期待，这大概就是展览最可贵的事情。

　　（图源/中国大运河博物馆）