作者：王　润

　　当安徒生笔下那只吟唱着东方传奇的夜莺，穿越近两个世纪的时光，落在中国儿童剧场的舞台上，中国儿艺的主创团队用一场中式美学的盛宴，完成了对经典童话的创造性转化。昨天，中国儿艺2025年度重点新创童话音乐剧《夜莺》正式首演，这部以当代视角注入文化新意与时代思考的作品，让经典童话在民族音乐、创新舞美与先锋创意的碰撞中，完成了一次传统与现代、东方与西方的精彩对话。

　　作为安徒生唯一以中国为背景的童话，《夜莺》天然带着可以进行跨文化改编的基因，也给二度创作留下了很大探索空间。剧作家冯俐担任该剧编剧和作词，中国儿艺优秀导演毛尔南执导，带领整个团队，让这份对东方的想象有了扎实的文化根基。舞美设计冯磊、灯光设计任冬生、服装设计阳东霖，木偶指导康健等幕后主创的倾力合作，让舞台成为流动的东方画卷。该剧视觉呈现摒弃了中国元素的简单堆砌，而是采用“打散与重构”的美学手法，将丝绸、木雕、飞檐、勾栏等文化符号解构重组，打造出既神秘华丽又不失现代感的宫廷场景。与之形成鲜明对比的“自然场景”中，灵动的草地与呼吸般的花朵意象，既呼应了夜莺的纯净本质，也暗合了中式美学中“天人合一”的哲思，两种美学风格的碰撞让舞台层次愈发丰盈。

　　音乐创作上，作曲张艺馨构建的“民歌地图”堪称点睛之笔。不同地域的民间音乐串联起剧情脉络，既为人物塑造赋予了文化标识，又以听觉维度展现了中国的地大物博。当婉转的民歌与潘杭苇饰演的夜莺穿透人心的歌声交织，民族音乐的魅力便化作最直接的情感冲击，为经典童话注入东方文化灵魂。满台演员载歌载舞的精彩表演，也凸显中国儿艺一贯以来的高品质舞台呈现。

　　安徒生在19世纪写下的“机器夜莺”情节，在今天看来堪称惊人的时代预言。音乐剧《夜莺》敏锐捕捉到这一核心意象，也让观众联想到当今时代与AI智能的联结。剧中的“机器夜莺”拥有完美复刻的歌喉，却缺乏真实情感的温度，恰如当下飞速发展的AI技术——能模拟一切，却无法替代生命本真的体验。当皇帝沉醉于机器夜莺的精准表演而冷落真实夜莺时，舞台上上演的不仅是童话中的取舍，更是对当代人依赖技术、疏离本真的深刻叩问。而当真夜莺的歌声最终唤醒垂危的皇帝时，人们也会领悟——技术可以提供便利，却无法替代情感的真挚与生命的灵动。这种跨越百年的呼应，让《夜莺》的寓言价值超越了儿童剧的范畴，成为一场面向全龄的哲学思辨，也让经典童话在当代语境中获得了全新的生命力。

　　如果说中式美学是这部剧的文化底色，那么“朋克摇滚”死神三人组的设计，则彰显了剧组贴近年轻观众的勇气与巧思。主创团队突破传统“死神”形象的阴森刻板，将当代“声光电”演唱会风格融入舞台呈现。当“死神”与“红绿无常”身着融合时尚风格与摇滚元素的服装登场，强烈的视觉冲击瞬间点燃全场。重金属节奏与炫酷灯光的加持，让“死神”不再是令人畏惧的符号，反而成为充满个性张力的舞台焦点。这种看似叛逆的改编，精准击中了当代青少年的审美偏好，用年轻化的表达消解了沉重话题的距离感，让孩子们在震撼的视听体验中理解“生命与告别”的意义。

　　从中式美学的创造性转化，到AI时代的现实隐喻，再到朋克摇滚的先锋表达，中国儿艺的《夜莺》用诚意与创意证明了经典童话的永恒生命力。主创团队将民族音乐、数字技术、先锋设计完美融合，演员们的精彩演绎，既让孩子们在如梦似幻的舞台中感受传统文化的魅力，也让成年观众能够在经典重构中获得时代共鸣和美好享受。（王润）