作者：中国文艺评论家协会理事，辽宁省文艺评论家协会主席 马琳

　　中国杂技历经两千余年的传承发展，如古树繁花，生生不息。新中国成立后，杂技艺术逐渐摆脱传统的流动表演方式，转向剧场展演。近年来，杂技展演从全国性到区域性，从主题内容到形式类型，层次越发丰富，满足了各地、各层次观众的精神文化需求。实践证明，杂技展演要想实现口碑与市场双丰收，离不开剧场、在场与市场的多方加持，更离不开“技”的无限超越——这是杂技展演“破圈”的成功密钥。

　　剧场是杂技展演展示绝活的平台，更是融“艺”于“技”的创新载体。逐渐走向绚丽舞台的杂技艺术，借助音乐、舞蹈等艺术形式，赋“艺”于“技”，不断丰富着传统杂技的本体内涵。舞台上，通过融合剧场特有的舞台空间和技术资源，助力杂技实现由个体表演向集体呈现的转型。“走钢丝”“空中飞人”“爬杆”等传统项目，在舞台上被重新编排，焕发新彩。新世纪以来，杂技剧的诞生更将杂技艺术的舞台性、戏剧性推向极致。《天鹅湖》《依依山水情》《百鸟衣》等一批优秀杂技剧相继涌现，剧场里的杂技因“剧”而“火”。走向剧场展演的杂技越发综艺化、主题化，杂技晚会（秀）和杂技剧成为主要表演形式，获得观众的喜爱。剧场展演的杂技因此强化了表演性，强化了角色塑造和情感表达，观看杂技也从单一的身体技巧欣赏，升华为与节目同行的主题对话和思想共鸣。但近年来各类展演对舞台综合性审美的过度追求，却弱化了杂技的本体属性，“扛”“柔”“翻”等杂技基本功仍有待苦练和夯实。在杂技的剧场中，“技”始终是主角。

　　“流动的技艺”大运河文化带杂技精品展演，图为《金乌涅槃·集体倒立》节目照

　　传统杂技最初即以“沉浸式”演出形式，实现了演员与观众的同时“在场”。“在场”作为西方哲学概念，意指“直接呈现在面前的事物”，其主要特征为“敞开”与“无遮蔽”。就剧场艺术而言，“在场”强调深度代入与环境互动，通过观众参与实现沉浸式体验。杂技走向剧场后，形式越发丰富，却也与观众产生了某种“间离”。因此，杂技展演需在充分利用剧场综合资源的同时，保有杂技的“在场”之“技”，与观众重新建立起深切的互动关系。杂技表演依赖演员的身体技巧完成一系列高难度动作，唯有现场观演，才能深切感受到这门古老艺术的张力和氛围。杂技演员展示高难技艺并被观众目光聚焦，是最核心的“在场”。杂技展演的“在场”同时强调观众的参与介入，因此，创意环境式杂技、沉浸式小剧场等策略应运而生。杂技从宏大剧场走向街区、古旧建筑、商场中庭等实景地，将观众纳入演出环节，实现全程互动。以魔术为例，沉浸式表演几乎伴随其艺术发展全程。魔术师不仅是技巧搬运工，更是时空操控者，可以将观众带入奇幻世界。因此，魔术展演更需打破传统舞台界限，将观众拉进演出场景并参与互动，通过多感官介入与场景化叙事，增强观众的沉浸式体验。创意“在场”，是拉近杂技表演与观众的有效形式与手段，灯光、投影、VR/AR等技术，与服化道深度融合，共同打造视听盛宴，并为凸显杂技绝活提供载体辅助。惊险的高空平衡、超越人体极限的柔术力量、变幻无踪的魔术技巧……这些“硬核”技艺是杂技区别于其他艺术形式的本质特征。观众走进剧场，最根本的期待是亲眼见证“人力所不能及”的震撼瞬间，于是，观、演的真正“在场”是表演者与观众的双向奔赴。

　　街区市井，浪迹奔波，传统杂技人通过突破身体极限行走江湖，谋求生存。因此，杂技从诞生之初便带有鲜明的商业属性。时至今日，实现审美与市场双赢仍是杂技艺术的重要诉求。各级各类展演要想将观众吸引到剧场，为其买单并主动传播，需对当代观众进行精准定位。对于杂技展演而言，家庭亲子、青年群体及杂技资深爱好者，是必须服务好的核心观众群，因此，杂技展演需开发适应不同群体观赏需求的节目类型。此外，杂技展演并非“几场游”式的工作任务，应要不断开拓展演的商业运作模式，利用多元化盈利与可持续运营方式，提升影响力和参与度，并增加市场收益。目前的杂技展演多为政府主导的品牌活动，每次展演都集中呈现一个时间段内的杂技精品，但此类展演所能提供的空间、场次有限，有必要探索常态化展演机制，在核心旅游城市或文化地标设立专属剧场，进行长期驻场演出。还可将大型展演拆分为小型化、灵活化展演，满足特色景区、艺术节等多样化需求。开发文化衍生品也是拓展市场的有效手段。对已有出圈之势的杂技剧，可借鉴舞剧IP开发模式，将剧目改编为影视、动漫等形式，持续拓展原生作品的影响力。在新媒体环境下，通过传播杂技节目精彩片段、讲述杂技人故事，让杂技艺术的这份“惊奇”被更多人看见、热议，进而带来流量、提升效益。

　　技为骨，艺为魂，杂技展演的破圈之道在于“以技载道”。杂技展演让“技”被看见，但唯有“技”本身足够震撼、并成功转化为有温度的艺术表达时，方能真正破圈入心。杂技的破圈奇迹，始于技艺的惊险瞬间，成于技艺的艺术升华，恒于技艺引发的精神共鸣。因此，对于杂技艺术而言，无“技”不立，唯“技”可破。