作者：余　笛

　　每当幕布缓缓拉开，音乐剧的旋律响起，舞台上的主角光芒万丈。然而在聚光灯之外，众多年轻的面孔依旧徘徊在舞台边缘。他们怀揣梦想，却难以站上那束最炽烈的灯光中央。他们的“登台困境”，不仅源自个体经验的缺失，更折射出整个行业机制尚未完善的真实现状。

　　在高校排练厅里，声乐、舞蹈与表演“三位一体”的训练体系被视为通往专业的“黄金标准”。以戏剧学院、音乐学院等为代表的高校投入大量教学资源，培养学生的综合舞台能力。学生在课堂中往往游刃有余，但一旦真正走上舞台，面对观众与灯光的双重考验，不少人却陷入慌乱与紧张。情绪表达在实战中变得力不从心，舞台空间的感知与舞台技术节点配合出错——这并非能力不足，而是缺乏系统过渡的结果。

　　这样的落差，源于教学与市场实践间缺乏横向贯通。

　　在学校，学生得到老师和同学的实时纠正与情感支撑；而当他们走进演出剧团，面对职业导演、专业舞监和“开门即演”的高压，反馈却常常仅是“再加把劲”或“下次注意”，缺少针对性指导和情绪抚平机制。许多怀着音乐剧梦的年轻人并不是“不够努力”，而是“没有机会把努力转化为实战经验”。归根结底，他们缺少的，是将努力转化为实战经验的桥梁。

　　而制作公司与剧团的用人机制，在某种程度上也加剧了这一困境。在选角过程中，流量明星与剧团“熟面孔”往往更受青睐——理由是“票房稳定”“品牌认知鲜明”。许多毕业两三年的青年演员，只能在大制作中扮演“第五配角”——因为角色虽有台词，却无剧情推动力；既缺少集体谢幕的高光，也没有替补上台的轮换安排；甚至连剧场海报和宣传物料上，也很少出现他们的名字。对比国外成熟剧团中普遍施行的替补与轮换机制，他们仿佛被“藏”在了看不到的名单背后，只能在一线演员的光环下默默等待。

　　据《2024年度上海演艺市场蓝皮书》统计，25–30岁青年演员在大制作中担任核心角色的比例不足15%，却在群演和合唱阵容中占比高达65%。大麦票务研究院的数据显示，“因不熟悉演员而放弃购票”的观众比例接近四成。这些数据揭示：青年演员不仅难以获得登台机会，也难以在市场中留下姓名。

　　值得警醒的是，这一困境，并不只是“不给机会”这么简单。更深层的原因，是整条产业链——从高校课堂到剧团舞台、再到市场认可——缺乏有效衔接，像一条三段式的桥，每段都坚固，却未完全打通。以“预职业工作坊”为例，这原本是欧美青年演员常见的“试水平台”：学校和剧团联合办班，学生进入剧场参与制作，通过轮演、试演积累经验。听起来很美，但在国内，却几乎没有成功落地的案例。

　　诚然，国内也有一些合作尝试，比如艺术院校与大型演艺集团、院团等单位达成了“人才共育”的协议，看上去前景可期。但实际运作中，大多仍停留在项目合作层面，不具备系统性和可复制性。

　　为什么难推？原因主要有三点。

　　剧团自身“很难腾出手来”。大多数剧团采用项目制运作，人员临时拼团，常年“赶进度”。一个剧目从建组到首演，周期紧、风险高，根本没有多余资源培养新人。剧团希望“即战力”，对半成熟的学生来说，哪怕有热情，也无从插手。

　　高校的教学节奏与剧团运作脱节。学生的课程安排以学期为单位，而剧团则按演出排期紧凑推进。即便安排学生参与，往往也只能担任临时群演，难以系统锻炼。学校对学生的关注点仍偏向课堂表现，而非市场实战能力。

　　制度接口尚未打通。比如演出合同签署、成绩认定、保险安排、版权归属等，在剧团与高校之间都缺乏明确规则。一位资深剧团负责人坦言：“我们不是不想培养新人，但你告诉我，这个新人哪里来？怎么练？出了差错谁负责？”这番话背后，是制度的不成熟让各方都心存顾虑。

　　由此可见，要打破这一困境并非“多排几场戏”那么简单，而需构建一条贯通校园、小剧场与大剧院的成长路径。第一步可探索在高校与剧团之间设立“预职业工作坊”。由学校提供学生与导师、剧团提供制作资源与平台，在公益或低票价场次中完成从教学演出到市场演出的过渡试炼。与此同时，还应推动商业制作引入“正式替补与轮换机制”。可以选择在淡季或工作日开设“青年专场”，让三五名潜力演员轮换登台，并在海报、票务系统中明确标注。这不仅有助于测试新演员的市场表现，也为剧团提供更灵活的排演体系。

　　我们来展开谈一谈其中的难点痛点与可能性。

　　首先，从票房逻辑看，剧团仍高度依赖明星效应。多数出品方担心“非原卡司”导致退票率上升，因此倾向固守原阵容。票务平台也尚未建立替补信息的展示机制，观众对“轮换”缺乏信任。

　　其次，从运作成本看，“替补机制”意味着排练、走位、灯光等环节需多轮安排，剧团需为所有演员开设完整流程，对中小剧团而言尤其吃力。

　　制度层面也存在空白。目前国内剧团对“替补演员”的合同条款、权利义务并无清晰标准，与英美成熟剧团形成鲜明对比。在伦敦西区与百老汇，替补机制纳入工会合约之中，观众早已习惯“多版本演出”，甚至形成“刷不同卡司”的演出文化。

　　尽管挑战重重，仍有部分剧团尝试破冰。例如原创音乐剧《翻国王棋》就采用“双卡司”制，明确标注轮换信息，通过社交平台引导观众欣赏不同演员的演绎风格，反而激发了“多刷”兴趣。这种尝试虽仍属个例，但为未来常态化轮换提供了可能性样本。而《剧院魅影》中文版则采用“卡司盲盒”售票机制，未公布具体演出阵容即开票，各场次可能由不同主演组成。尽管引发消费者对“知情权”的争议，但仍证明观众对“不同卡司演出”的接受度有待观察，并在舆论中提供了宝贵的行业反馈。

　　下一步，可以从制度、平台与审美多维推动改革。剧团需建立三层梯队（首演—替补—轮换）；票务平台可以开发替补信息系统，提高透明度。观众教育也需跟进，从“认人看戏”过渡到“看作品、识表达”。观众不应只是票房的制造者，也应成为青年演员成长的见证者与支持者。可以尝试众筹认养机制，让观众关注一位潜力新人，获得排练日志或专属见面会权益，通过互动反馈协助剧团调整轮换安排；部分票房收益也可设立“青年演员发展基金”，促进“观众—市场—剧团”的三方共建。

　　上海的音乐剧舞台正日益繁荣，但真正的光芒，应该照亮所有怀揣梦想的人。青年演员真正缺少的，从来不是才华，而是被系统看见的路径。当舞台只为熟脸亮灯，新人便只能在缝隙中摸索。当观众只认卡司不认作品，再多努力也难以抵达信任。建立“预职业工作坊”、推广“正式替补与轮换机制”，不是添设流程，而是在为舞台构筑一个更有弹性的根基。只有当更多年轻演员被机制稳定托举，作品的质量和市场的信心才不再寄托于“谁演”，而是回归于“怎么演”。那时，聚光灯不再是某个人的奖赏，而是整个行业共同打磨出来的信任光环；青年演员也不再需要“拼运气”登台，而是在机制中被持续托举、在表达中被真实记住。通往舞台中心的路可以多种多样，但它们都应通向一个共同的方向：让努力被看见，让表达被尊重，让才华有处安放。

　　演员的好，是起点；机制的稳，是保障；观众的享受，是终点。如此，上海这座城市，乃至中国整个音乐剧市场，才能真正成为青年艺术人才被孕育、被看见、被记住的土壤，而非仅仅是一座橱窗式的剧场。身为一线教师与舞台从业者，我深知那束灯光有多热、多重、多遥远；但我也相信，沿着那束光坚定走去的年轻人，终将不再只是“在等待”，而是一次次被舞台真正点亮，成为作品的一部分，成为观众记忆的一部分。

　　（作者单位：上海戏剧学院表演系）